programa doble: Iván Zulueta: Un, dos, tres, al escondite inglés (1969) + A MAL GA MA (1976)

Hace tiempo tuve un blog de cine titulado ARREBATO DE CINE ORIGINAL, con eso creo que no necesito decir mucho más sobre lo que para mí significa Zulueta, su obra, su vida, su muerte...  Sirva esto como inusual homenaje a uno de los cineastas más importantes de la historia del cine español. 
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programa doble: Iván Zulueta
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Un, dos, tres, al escondite inglés (1969) Iván Zulueta. 
Hace más de 40 años, ese genio maldito y bendito llamado Iván Zulueta, a quien sus ángeles y demonios ya no visitan en este planeta, quizá sí en otro universo, un más allá o algo por el estilo, filmó un musical inaudito en el cine español, un musical pop, fresco y dinámico que sigue siendo un oasis en la filmografía española. Incluso en la ya de por sí poco difundida obra de Zulueta esta película ha quedado a la sombra de "Arrebato", una obra maestra que el lenguaje no puede expresar. Sin embargo este musical predice incluso en qué se convertiría el festival europeo de la canción, y en su aparente sencillez muestra su belleza, joven, alegre y natural. Es un auténtico placer recuperar este clásico moderno. Y es divertidísima.
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A MAL GA MA (1976) Iván Zulueta. 
Este mediometraje experimental es un viaje casi cósmico, que lleva muy lejos, desde lo más cercano. Como quería William Blake, el gran Zulueta logra ver un universo en un grano de arena, y muchas más cosas, las alas de los ángeles y los colmillos de los diablos, una y otra vez recorriéndonos como la sangre en las venas, el aire en los pulmones, o la energía sideral, proveniente del origen del universo, que todavía nos alienta y alimenta. Todo esto y mucho más, en poco más de media hora de fértil imaginación, montaje moderno y ambientación musical que acentúa el lirismo, la perplejidad, la ingenuidad y la dulce perversidad de este genio cinéfilo y cinéfago imprescindible para el cine español. Junto a Val del Omar, el donostiarra Iván Zulueta fue sin duda el exponente más importante de la vanguardia cinematográfica española. 
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http://www.rtve.es/mediateca/videos/20100204/memoria-ivan-zulueta/684908.shtml
http://www.ivanzulueta.com/index-es.php

Val del Omar, desbordando el tiempo y el espacio

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Val del Omar: cineasta, alquimista, mago, poeta.
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http://cineoriginal.blogspot.com/2010/02/val-del-omar-un-cineasta-para-la.html

cine experimental: Xcèntric. 45 películas en contra dirección

¬cine experimental y videoarte
El cine experimental se mueve de lleno en el terreno del cine y lanza su desafío desde el interior, explorando la naturaleza pictórica del cine y una visión espaciotemporal relativa más que sus posibilidades narrativas, descriptivas y documentales, creando un cine abstracto, mientras que el videoarte no se sitúa en el campo del cine, su intención no es renovar el lenguaje fílmico sino llevarlo al campo de las artes plásticas.
¬cine experimental
El CCCB de Barcelona lleva años programando cine experimental a través de su Xcèntric, todo un referente de las vanguardias históricas y las propuestas más complejas y experimentales. Siguiendo con esta labor, publicó el libro
-Xcèntric. 45 películas en contra dirección, VV.AA. (CCCB, 2006)
que incluye los siguientes films...
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Xcèntric.45 películas en contra dirección
1924 Kino-Pravda, Dziga Vertov
1929 Finis terrae, Jean Epstein
1930 Lichtspiel: Schwarz-Weiss-Grau, Laszlo Moholy-Nagi
1935 Komposition in blue, Oskar Fischinger
1953-55 Aguaespejo granadino, José Val del Omar
1956 On the bowery, Lionel Rogosin
1957 Free radicals, Len Lye
1968-70 Arnulf rainer, Peter Kubelka
1962 Moonplay, Marie Menken
1963 Scorpio rising, Kenneth Anger
1963-6 Lapis, John Whitney
1965 Beppie, Johan van der Keuken
1965-71 Film portrait, Jerome Hill
1966 The Chelsea girls, Andy Warhol
1966 The flicker, Tony Conrad
1968 N:O:T:H:I:N:G:, Paul Sharits
1968-70 Ere erera baleibu icik subua aruaren..., José Antonio Sistiaga
1970 Berlin horse, Malcom Le Grice
1970 Serene velocity, Ernie Gehr
1970 Zorns lemma, Hollis Frampton
1971 Emperor tomato ketchup, Shuji Terayama
1971 Numéro zéro, Jean Eustache
1972 Tarua le ganaknere, Artavazd Pelechian
1973 Diwan, Werner Nekes
1976 Crossroads, Bruce Conner
1977 Geister trio, Samuel Beckett
1978 In girum imus nocte et consumimur igni, Guy Debord
1979 Asparagus, Suzan Pitt
1982 Scénario du film Pasion, Jean-Luc Godard
1986 Sherman's march: A meditation to the possibility of romantic love in the South during an era of nuclear weapons proliferation, Ross McElwee
1989 Cézanne, Jean-Marie Straub
1989 Elephant, Alan Clarke
1993 D'est, Chantal Akerman
1994 Alpsee, Matthias Müller
1996 My universe inside out, Faith Hubley
1996 Lo specchio di Diana, Yervant Gianiakian
1996 Spiklenci slasti, Jan Svankmajer
1996-2002 Film ist (1-6) / (7-12), Gustav Deutsch
1998 Jlebni den, Serguei Dvortsevoy
1999 Outer space, Peter Tscherkassky
2000 As I was moving ahead ocassionally I saw brief glimpses of beauty, Jonas Mekas
2000 The God of day had gone down upon him, Stan Brakhage
2003-04 The tow minutes to zero trilogy, Lewis Klahr
2004 Triage, Carl Brown / Michael Snow
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http://www.cccb.org/xcentric/es/arxiu

National Film Board of Canada

_El National Film Board of Canada desde hace más de medio siglo es una referencia mundial en la animación, y el crítico de cine Leonard Maltin comenta en este documental sus trabajos favoritos, clásicos y obras maestras.
_Si les gusta la animación, les gustará. Si les gusta el cine experimental, les gustará.
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http://www.nfb.ca/film/leonard_maltins_animation_favorites/  1994 / 95 min.
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Y aquí mismo, "Begone dull care" (1949), una de las joyas del genial Norman McLaren
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Metáforas sobre la visión, por Stan Brakhage

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Metáforas sobre la visión, por Stan Brakhage
_Imaginar un ojo no gobernado por las leyes de la perspectiva hechas por el hombre, un ojo no-prejuiciado por la lógica composicional, un ojo que no responde al nombre de todo, pero el cual tiene que conocer cada objeto encontrado en la vida a través de la aventura de la percepción. ¿Cuántos colores hay en un campo de hierba para el bebé, que gatea ignorante del “verde”? ¿Cuántos arcoiris puede crear la luz para el ojo no educado? ¿Cuán consciente de las variaciones en las ondas de calor puede estar ese ojo? Imaginar un mundo poblado de objetos incomprensibles y estremecido por una interminable variedad de movimientos e innumerables gradaciones de color. Imaginar un mundo antes de aquello de “al comienzo fue la palabra”.
_Ver es retener-percibir. La eliminación de todos los temores es, en la mirada, aquello a lo que tenemos que aspirar. Una vez la visión pudo haber sido dada –lo cual parece connatural al ojo del infante, un ojo que refleja la pérdida de la inocencia con más elocuencia que cualquier otro rasgo humano, un ojo que pronto aprende a clasificar miradas, un ojo que refleja el movimiento del individuo hacia la muerte debido a su creciente inhabilidad para ver.
_Pero uno nunca puede regresar, ni siquiera en la imaginación. Después de la pérdida de la inocencia, solo el conocimiento puede equilibrar el vacilante eje. A pesar de ello sugiero que existe una búsqueda del conocimiento extraña al lenguaje y fundada en la comunicación visual, que demanda un desarrollo de la mente óptica y dependiente de la percepción en el sentido original y más profundo de la palabra.
_Suponer que la Visión del santo y del artista sea una habilidad incrementada para ver. Permitir a las llamadas alucinaciones entrar al dominio de la percepción, aceptando que la humanidad siempre encuentra una terminología despreciativa para todo lo que no parece ser fácilmente usable; aceptar las visiones del sueño, ilusiones o pesadillas, admitiendo incluso que las abstracciones, que tan dinámicamente se mueven cuando apretamos los párpados, son percibidas. Estar consciente del hecho de que no estás únicamente influenciado por los fenómenos que focalizas y tratar de sondear el sentido profundo de toda influencia visual. No hay necesidad de que el ojo de la mente sea anestesiado después de la infancia, a pesar de que en esa edad el desarrollo de la comprensión visual es casi universalmente descuidado.
_Esta es una edad en la cual no hay otro símbolo para la muerte que el cráneo y los huesos propios de un estado de descomposición... y es una edad que vive en el temor de la aniquilación total. Es un tiempo obsesionado por la esterilidad sexual, a la vez que casi totalmente incapaz de percibir la naturaleza fálica de cada manifestación destructiva de sí mismo. Una edad que, artificialmente, busca proyectarse como estado material dentro del espacio abstracto y así satisfacerse mecánicamente, pues se ha cegado a casi toda realidad externa que penetre a través de la vista e incluso a la conciencia orgánica de las propiedades de los movimientos físicos que expresan su propia perceptibilidad. Las primeras pinturas de las cavernas que fueron descubiertas, demostraron que el hombre primitivo tenía mayor comprensión que la nuestra de que el objeto de nuestro miedo tiene que ser objetivado. La historia entera de la magia erótica es la de la posesión del temor a través del aferramiento a él. La última búsqueda de visualización ha sido dirigida hacia Dios, más allá de la posible comprensión humana de que no puede haber amor donde se encuentra el miedo. Aún más, en esta época contemporánea, ¿cuántos de nosotros luchamos todavía para percibir profundamente nuestros propios niños?
_El artista ha acarreado la tradición de lo visual y la visualización a través de las épocas. En el presente, unos pocos han continuado el proceso de la percepción visual en su más profundo sentido y transformado sus inspiraciones en experiencias cinematográficas. Ellos crean un nuevo lenguaje, hecho posible por la imagen en movimiento. Crean donde mismo antes de ellos el miedo ha creado la más grande necesidad. Están esencialmente preocupados y negocian mediante sus imágenes con el nacimiento, el sexo, la muerte y la búsqueda de Dios.
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-----Traducción: Víctor Fowler Calzada
Esta es la sección inaugural del libro de Stan Brakhage Metáforas sobre la visión (1963), parte de la cual es reimpresa, junto con otros textos, en el libro Essential Brakhage: Selected Writings on Filmmaking (McPherson and Company, 2001.
https://www.mcphersonco.com/?f[0]=shh&pdID=39)
-encontrado en la web: http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=203&Itemid=49
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http://www.contrapicado.net/alternativa.php?id=5  un texto muy interesante sobre la obra de Brakhage
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Val del Omar, un cineasta para la historia

_Val del Omar, fue un director español que realizó trabajos muy vanguardistas y experimentales en la época de la dictadura, siendo galardonado incluso en Cannes por sus logros técnicos. Empezó creando documentales durante la II república, y su filmografía, cortos, mediometrajes, es difícil de encontrar pero internet es grande y aunque sea a través de grabaciones televisivas o con calidad de imagen no muy buena, recomiendo a este hombre que hizo verdadera poesía con el cine. Aunque, afortunadamente, al fin se ha editado su obra en 5 DVD VDO.

Breve biografía, extraída de 
http://www.valdelomar.com/home.php?lang=es

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José Val del Omar (Granada 1904 - Madrid 1982)

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_José Val del Omar nació en Granada el 27 de octubre de 1904. Ya en su niñez se entretenía ingeniando proyecciones a la manera de la linterna mágica y, tras una estancia en París en 1921, descubrió en el cine la vocación de su vida. En 1925 realizó un largometraje, En un rincón de Andalucía, que posteriormente destruyó al considerarlo un fracaso artístico.

_En 1928 escampó a través de la prensa especializada sus ideas asombrosamente tempranas acerca de un objetivo de ángulo variable, sobre pantallas cóncavas y para la consecución de efectos de relieve mediante la iluminación; prefigurando así algunas de las grandes líneas de sus búsquedas y descubrimientos posteriores.Al establecerse en Madrid trabó relación con círculos de la cultura cinematográfica y la educación progresista.

_De 1932 a 1936 participó en la experiencia de las Misiones Pedagógicas de la República. Rodó en aquellos años un amplio número de documentales –que algunas fuentes cifran en más de cuarenta– de los que, lamentablemente, solamente se conservan actualmente unos pocos.

_Durante la Guerra Civil colaboró con Josep Renau –artista de gran renombre por sus carteles y fotomontajes activistas– y contribuyó al salvamento de los fondos más valiosos del Museo del Prado y la Biblioteca Nacional. Atrapado en Valencia a la entrada de las fuerzas rebeldes, se vio coaccionado a colaborar en instrumentos de propaganda audiovisual que recordaría después con amargura.

_Ya en la posguerra, centró gran parte de sus investigaciones en el campo del sonido, abarcando también la radio y la experimentación electroacústica, registrando en 1944 la primera patente para un sistema de sonido diafónico o binaural –anticipación de los sistemas envolventes que trascienden la estereofonía– que seguiría completando en años sucesivos.

_Entre 1953 y 1955 realizó el film Aguaespejo granadino, ''un corto ensayo audiovisual de plástica lírica'', concebido a su vez como demostración de sus técnicas. Su presentación en los festivales de Berlín (1956) y Bruselas (Competición Internacional del Film Experimental con motivo de la Expo de 1958) causó conmoción y cosechó entusiastas reacciones y reseñas.

_A continuación realizó Fuego en Castilla, cuya gestación se dilató de 1956 a 1959, donde introdujo los fundamentos de la TactilVisión o iluminación pulsatoria tactil. El poderío de sus imágenes y de su banda sonora electroacústica le merecieron diversos galardones en los festivales de Cannes 1961 (el mismo año en que Buñuel obtuvo la Palma de Oro con Viridiana), Bilbao 1961 y Melbourne 1962.En 1961 rodó en tierras de Galicia un tercer ''elemental'' –en su concepción de ''documentales líricos o abstractos''– que dejó entonces inacabado, retomándolo al término de su vida con el título de Acariño galaico (De barro) y con el propósito de integrarlo, junto a los dos anteriores, en un conjunto que llamó Tríptico Elemental de España.

_Desde finales de los 50, trabajó en el desarrollo de nuevos formatos y perfeccionamientos técnicos para el cine y la televisión, y para usos educativos de los medios audiovisuales. Dichos asuntos le robaron tiempo a su actividad propiamente artística y, en general, le procuraron profundas decepciones.

_Desde 1968, sin embargo, emprendió nuevos proyectos fílmicos que fue reelaborando mentalmente con el paso del tiempo.Ya en su última etapa, rodeándose preferentemente de personas jóvenes y de artistas ajenos a las industrias del espectáculo, reconcilió su mentalidad de poeta y artista con su constante curiosidad por la técnica. Su panoplia de medios se amplió con el láser, el vídeo, las intuiciones cibernéticas y sus técnicas PLAT (de Picto-Lumínica-Audio-Tactil). Lleno de vida aún, como han atestiguado quienes le conocieron en aquellos años, murió el 4 de agosto de 1982 a consecuencia de un accidente de automóvil.

> y 2

_Creador de un talento artístico y tecnológico extraordinario, ''creyente del cinema'' e iluminado por unos nuevos horizontes que formuló mediante las siglas PLAT –que equivalen al concepto totalizador de Picto-Lumínica-Audio-Táctil–, Val del Omar fue contemporáneo y camarada de Lorca, Cernuda, Renau, Zambrano y otros nombres mayores de una Edad de Plata truncada con la Guerra Civil. En 1928 anticipó ya varias de sus técnicas más características, incluyendo el ''desbordamiento apanorámico de la imagen'' fuera de los límites de la pantalla y el concepto de ''visión táctil''. Dichas técnicas, y las del ''sonido diafónico'' y otras exploraciones en el campo sonoro, las aplicaría en su Tríptico Elemental de España, iniciado en 1952 y sólo concluido póstumamente. Pues su obra y su tenaz actividad investigadora –a contrapelo de la incomprensión y el olvido– no empezaron a ser redescubiertas hasta poco antes de su muerte, siendo en cambio el principio de un renacimiento que sigue ganando adeptos. ''Sin fin'' como él ponía al término de sus films.

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«No estoy - me desvivo y soy» José Val del Omar

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http://es.youtube.com/watch?v=gGSSwxy9wzM Enlace con fragmento de su obra Fuego en Castilla

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añadir que...

En la magnífica web http://www.valdelomar.com/ se puede profundizar en su vida y obra, incluída su faceta poética a través de las palabras. Y los valiosos estudios o/y homenajes que ha recibido por parte de Román Gubern en la crítica cinematográfica o por Lagartija Nick desde la música, además del film Ojalá, Val del Omar, de Cristina Esteban (1994).

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..sin fin...

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Val del Omar, Val del Omar, Val del Omar!!!

Una y otra vez el cineasta, poeta, místico de la imagen, Val del Omar, merece ser descubierto, alabado, recordado. La reciente edición de un lujoso trabajo videográfico hace justicia a la obra del gran creador vanguardista español.
La magnífica reseña del enlace aborda con tal pasión y conocimiento este desbordamiento audiovisual, y poético, que les invito a seguir la pista.
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http://visionary-film.blogspot.com/2011/01/desbordamiento-esencial-val-del-omar-en.html
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Level five (1997) Chris Marker, y el "film snobiste" de Godard

Level five (1997) Chris Marker
El misterio de Chris Marker es de los más desafiantes y vibrantes de la historia del cine. Una y otra vez el autor crea fascinantes obras que rebosan originalidad, capacidad crítica, inventiva, dominio del lenguaje cinematográfico, ganas de jugar y de sonreír, un aliento poético, algo melancólico a veces, y sobre todo una impagable defensa de la humanidad. Chris Marker se alza una y otra vez como un cineasta que fluye con una naturalidad y complejidad mucho más interesante y fecunda que otros, y entiéndase en especial que hablo de Godard. Y ésta es una nueva muestra de la maestría de Chris Marker, abordando uno de los hechos más dramáticos de la segunda guerra mundial. Palabra clave: Okinawa. Chris Marker supera una y otra vez el nivel 5, y afianza sin pausa su fe en el propio cine sin quedarse en el documental ni perderse en la abstracción, sin renunciar a la ficción, ni a la poesía. Mientras el tan celebrado Godard a menudo ha merecido la calificación de Truffaut, que le consideró la Ursula Andress de la izquieda, Marker no se ha dedicado a descreer del cine y quedarse en el reducto elitista de su personalismo. Chris Marker, sin embargo, que carece del aura cinéfila del tan sobrevalorado Godard, para mí muestra una ambición mayor (y menor pedantería) y supone poco menos que la prueba de fuego que distingue al aficionado al cine del verdadero cinéfilo humanista. Godard, mirándose tanto el ombligo, y presumiendo una y otra vez de revolucionario, ha llegado a su vacuo "Film socialisme" que alguien muy acertadamente ha calificado de "film snobiste", a fin de cuentas recuerda a todo aquel mobiliario moderno que se suponía optimizado en materiales y con vocación popular y sin embargo cuesta un ojo de la cara. Chris Marker, con presupuestos más modestos ha alcanzado cotas de creatividad mucho mayores, y sin embargo sigue siendo un secreto a voces que este hombre es un talento imprescindible en la historia del cine, su filmografía sigue siendo difícil de encontrar, pero no se conformen con menos. Godard ha quedado como el emblema de la cinefilia cuando si se analiza su vasta obra en ella abunda la mediocridad e inanidad más absoluta con pinceladas admirables, mientras que el menos conocido Chris Marker siempre ha avanzado posiciones en una firme defensa del cine y del ser humano. La comparación entre Godard y Marker me parece necesaria de una vez por todas, me parece indignante el pábulo que se le ha dado a Godard tantas veces, ¡Godard es casi una marca de fábrica que a menudo vive de rentas!, mientras que la obra de Marker cada vez se me revela más y más injustamente relegada. Hay quien considera incluso que Marker fue el maestro de Godard, pero en tal caso Godard no aprendió lo suficiente. Yo sin duda no tengo bastante con él, Chris Marker está en un nivel superior, al menos para mí. Juzguen por sí mismos, por ejemplo, viendo "La jetée", "Sans soleil"...  o este "Level five".
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http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Chris+Marker

Val del Omar, cineasta, alquimista, místico

Hace años que estoy, no encuentro palabras a la altura de lo que siento, por la obra de Val del Omar, así que insistiendo una vez más en mi amor por su amorosa obra, dejo un enlace con un breve recorrido por su trayectoria y recuerdo la reciente edición de varios DVD sobre su obra, y que hasta el 28 de febrero en el Museo Reina Sofía de Madrid se puede visitar la exposición "Desbordamiento Val del Omar".
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 http://www.rtve.es/mediateca/videos/20101217/dias-cine-jose-val-del-omar/966840.shtml

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Segundo de Chomón + Val del Omar

De vez en cuando me acerco a ver, qué raro, libros de cine y películas a unos (conocidos) grandes almacenes. A veces se lleva uno alguna que otra alegría, incluso por partida triple. Encontrarme a quien me metió en esto del cine es siempre una alegría grande y serena, y si además uno se encuentra que por fin se ha editado la obra del pionero español, y mundial, Segundo de Chomón, pues la alegría es doble, pero las cosas a menudo pueden ser todavía mejores, así que como no hay dos sin tres, va y me encuentro con la obra de José Val del Omar, poeta de la imagen, o simplemente poeta, o cineasta, o quizá alquimista, o no me creo capaz de encerrarlo en una sola palabra. El cine español está de fiesta con estas dos ediciones en dvd que por fin permiten divulgar la obra de dos de los talentos cinematográficos más singulares que ha alumbrado nuestro cine, sin embargo todavía muy desconocidos. Había que arreglar esta laguna que casi llegaba a ser océano. Nunca es tarde si la dicha es buena, al fin estos dos cineastas verán (es un decir) como sus obras alcanzan la difusión que merecen.
¡Aleluya!.
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Segundo de Chomón (dvd)
Val del Omar (5 dvd)
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Val del Omar acababa sus películas con un glorioso, poético y esperanzador letrero que decía:   SIN FIN
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Film (1965) Samuel Beckett y Alan Schneider

Film (1965) Samuel Beckett y Alan Schneider.
Primero una aclaración, este film, cinéfilo donde los haya, está basado en un guión de Samuel Beckett y fue dirigido por Alan Schneider, aunque suele hablarse de una película de Beckett. Pero este cortometraje es excepcional por muchos motivos: un guión escrito por el Premio Nobel de Literatura para el cine, es también una de las últimas películas de Buster Keaton, uno de los mayores genios del cine mudo (y esta película además es muy muda), la labor de fotografía está a cargo del magnífico Boris Kaufman (cinematógrafo de las obras maestras de Jean Vigo y hermano del imprescindible documentalista Dziga Vertov) y por si fuera poco es filosófica y metacinematográfica por lo menos, pues se basa en la teoría de que "Ser es ser percibido", base del idealismo o inmaterialismo de George Berkeley, y el desarrollo del corto tiene un aura misteriosa y vanguardista, irreal, surrealista y espectral, del todo indescriptible, y su pizca de humor, aunque el propio Buster Keaton confesó que no entendía muy bien de qué iba aquello. Y no es extraño, a mí si me meten a actuar en una película así me pierdo, pero, bien mirado, quizá esa desorientación otorga al film su propia respiración, entrecortada y zigzagueante. Una de esas ocasiones en las que milagrosamente se juntan unos cuantos talentos, como por un azar divino, cada músico toca su parte con la temeridad apasionada de un enamorado y la perfección de un virtuoso, y florece una sinfonía, en este caso elocuentemente silenciosa.
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http://www.ubu.com/film/beckett_film.html

Tren de sombras (1997) José Luis Guerín

...no es más que un tren de sombras 
Máximo Gorki 
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Tren de sombras (1997) José Luis Guerín.
Hay muchas películas (demasiadas) que son casi homologables e intercambiables, como las partes de las películas subidas a la red, pero hay algunas que son cine original, quizá cine de verdad, aunque no me atrevo a decir tanto. Quizá el cine encorsetado en la narratividad es deudor de la novela y el teatro, y el cine puro es abstracto, físico, hecho de texturas, un juego de luces y sombras, pintar con imágenes... no lo sé, es una posibilidad, pero tampoco hay que acortar la mirada, el cine es un arte tan vasto que puede ser documental, alegórico, narrativo, poético, abstracto, propagandístico, entretenido, o también puede ser artístico, o... Lo que intento decir es que el cine es muy grande, no se queda tan sólo en el éxito taquillero a menudo olvidable y que al momento se olvida, el cine puede contar una historia, o sugerirla más bien, incluso con los medios más esquivos en teoría a la narrativa convencional de una película, y esto es lo que parece proponer Guerín en este film que bebe de influencias diversas (desde el lirismo de Stan Brakhage hasta la indagación de Antonioni en "Blow up") pero destila un resultado personal, no para todos los públicos, y que en mi opinión encuentra nuevas vías de expresión cinematográfica, cuestiona incluso la propia práctica cinematográfica y desvela las sombras y misterios que en un instante decisivo (como querría el maestro Henri Cartier-Bresson) puede acoger el celuloide, hasta que el tiempo, con su desgarro, debilita los contornos y agujerea, como el fuego el papel, la propia vida. Guerín juega (dicho sea esto en el mejor sentido de la palabra) con el pasado, la ausencia, la memoria, el presente, las sombras y los reflejos creando un arco-iris vital del que no escapan la noche, la luna y las sombras, el blanco, el negro, los grises y el color, todos los colores. En la rica caligrafía esencial del cineasta, este tren de sombras es un sutil viaje por la vida en el que un fotograma deteriorado unido a otro aún más moribundo son más poderosos e incluso sangrientos que el mayor charco de sangre exhibido en una película gore. Esta película no es convencional, ni falta que hace, es un ejemplo imposible de seguir, es una experiencia que sin duda no puede complacer a todo el mundo, afortunadamente hay cine palomitero y también hay cine que mira la vida con otros ojos, que indaga en el misterio de la vida y del cine con una luz propia. Y esto, tiene un valor. Sin duda hay películas que podrían ser representadas en un escenario teatral sin perder apenas sentido, otras podrían ser novelas y quizá incluso saldríamos ganando, pero hay películas que sólo pueden ser películas, y este Tren de sombras es una de ellas. Una película singular, que entronca maravillosamente con la ingenuidad de los inicios del cinematógrafo, se alía con la experimentación más radical y sobrevuela con la ligereza de una mariposa el tejido inestable de la vida. Más que una obra maestra, o un clásico imprescindible para amantes del cine original, es una demostración más de que las posibilidades creativas del cine aún no han sido agotadas, y que sólo se puede crear cine original con una mirada propia. Una mirada propia, la de un cineasta, la de un poeta de la imagen, creador de imágenes, o quizá más que director quizá canalizador de imágenes, pues quizá el verdadero director fluye en una deriva, en ese tren de sombras que también es la vida. Puede que Guerín, con este film que sin duda no es improvisado, también nos recuerde la belleza de la imperfección, la fugacidad de la vida, y esa fe en la poesía del cine que sin duda no puede explicarse con palabras, y que es propia del cine. Quizá, como en una ocasión afirmó Jordi Costa, el cine es lo que no está en el guión, o para matizarlo un poco, quizá el cine es lo que sólo puede ser cine, quizá puede estar en un guión pero no puede ser expresado ni sólo con palabras, ni sólo con sonidos, ni sólo con una imagen, quizá el cine es ese lenguaje que fluye entre fotogramas, ese resplandor de lo efímero y fugaz que aletea entre las sombras y luces de la vida, como un fugitivo, como un poseso, entre cuerdo y loco, entre la realidad y el sueño, el presente, y el pasado, la memoria y la pérdida, y la imaginación, la pura creatividad, la expresión del talento y del propio corazón de un ser humano, un director, un cineasta, alguien que más que sangre tiene cine en las venas. Imágenes en movimiento alcanzando el infinito, por un instante. Arrebatador tren de sombras del cine.
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trendesombras(naranjashiroshima)  
tren-de-sombras.pdf

Cine artístico

El cine es un arma maravillosa y peligrosa en manos de un espíritu libre. 
-Luis Buñuel
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Cine artístico, Paul Young (Taschen, 2009)
Este libro aborda los poco conocidos mundos del cine experimental, del cine expandido, del videoarte, de las manifestaciones más poéticas, audaces, transgresoras, innovadoras, aunque a veces también formalistas y amaneradas, del cine. Como este tipo de cine es en realidad casi imposible de catalogar y a menudo está descatalogado o es casi inencontrable, es una pena que el libro no vaya acompañado de una selección en dvd, o que exista una dirección en internet para acceder a todas estas obras, y sacarle todo el jugo a este libro. Pero en realidad, si a nivel mundial no se ha realizado algo así en el cine convencional, en el cine experimental ya es mucho pedir, pero en la vida hay que dar y pedir y seguir dando lo maravilloso.
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Kiss (1963) Andy Warhol

Kiss (1963) Andy Warhol.
La radicalidad y frescura de la propuesta minimalista del primer Warhol sorprende todavía por su franqueza, jovialidad y pureza. Según cuenta Jonas Mekas, Warhol dio el paso al cine tras asistir a un concierto de La Monte Young, cuya música posee un aura de mágico misticismo, y algo de esa gloria y alegría de vivir hay en este film maravillosamente mudo y elocuente por sí mismo. Es más, esta obra no sólo no precisa del sonido sino que tiene una de sus mayores virtudes en su ausencia, en el respetuoso silencio sagrado que acompaña a las imágenes y permite que sean aún más expresivas, intensas y profundas. A menudo el cine se apoya demasiado en la música, subrayando lo obvio, cosa que este encadenamiento de besos esquiva suavemente. En su sencillez es arrebatadoramente poética, cinematográfica, amorosa, erótica, ingenua, provocativa, cándida, lúbrica, terrenal, natural, celestial, divina, humana...  Quizá decir que es una obra de arte, o una obra maestra sea incluso encajonar en una categoría una obra que fluye y late con tanta vida.
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Cine artístico (apuntes)

Me interesa el cine que se adentra en caminos desconocidos, el cine que crea caminos nuevos, que revela matices, espíritus y verdades esenciales. Quizá ése sea el cine artístico, el verdadero cine. Con la intención de seguir descubriendo cine original, me estoy empapando de este libro, que es un puente hacia obras que prometen ser toda una aventura. Algunas para mí lo son. 
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Cine artístico, Paul Young (Taschen, 2009)

CINE ARTÍSTICO

+fims_

Death of the gorilla (1965-6) Peter Mays

A movie (1958) Bruce Conner

Caribbean pirates (2001-5) Paul Mc Carthy

Confessions of a Black Mother Succuba (1965) Robert Nelson

Crack brutal grief (2000) Bruce Elder

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INTRODUCCIÓN

¿QUÉ ES EL “CINE ARTÍSTICO”?

+fims_

Brasil (1985) Terry Gilliam

Ballet mécanique (1924) Fernand Léger

La folie du docteur Tube (1915) Abel Gance

The telltale heart (1928) Charles Klein

Yo acuso (1919) Abel Gance

La caída de la Casa Usher (1928) James Sibley Watson y Melville Webber

El bueno, el feo y el malo (1966) Sergio Leone

The way (1929) Francis Bruguière

El acorazado Potemkin (1925) Sergei Eisenstein

citas_

-Es necesario destruir el cine. Guy Debord

-escuchar con los ojos.  Paul Sharits

-Hurra por el cine sin forma: un cine no literario ni musical que no narra una historia, ni se convierte en un baile abstracto ni comunica un mensaje; un cine donde las palabras son imágenes y los sonidos se manifiestan de forma azarosa, como los pensamientos.  Robert Breer

-Para que la alquimia ocurra en una película, la forma debe incluir la expresión de su propia materialidad, y esa materialidad debe estar en comunión con la temática. Si esa comunión no se da, si la literalidad de la película es demasiado sobrecogedora, demasiado ilustrativa, entonces eclipsa al medio del que está compuesta.  Nathaniel Dorsky

-El lenguaje es mucho más cercano al cine que la pintura.  Sergei Eisenstein

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EL CINE SURREALISTA


obras_
Un perro andaluz (1929) Luis Buñuel y Salvador Dalí
The lead shoes (1949) Sidney Peterson
Bells of Atlantis (1952) Ian Hugo
Breathdeath (1964) Stan VanDerBeek 
First time here (1964) Richard Myers
8 X 8: a chess sonata (1957) Hans Richter y Jean Cocteau 
El topo (1970) Alejandro Jodorowsky
Viva la muerte (1970) Fernando Arrabal
La fiancée du pirate (1969) Nelly Kaplan  
El fantasma de la libertad (1974) Luis Buñuel 
Ese oscuro objeto del deseo (1977) Luis Buñuel 
Los misterios del organismo (1971) Dusan Makavejev
Tres vidas y una sola muerte (1996) Raúl Ruiz 
Terciopelo azul (1986) David Lynch
Inland empire (2006) David Lynch
Recuerda (1945) Alfred Hitchcock (secuencia onírica escenografiada por Dalí)
Dwelling (2002-4) Hiraki Sawa
Caribbean pirates/Pirate party (2001-5) Paul McCarthy
Sailor's meat-sailor's delight (1975) Paul McCarthy

+films_

Caribbean pirates (2001-5) Paul Mc Carthy

Un perro andaluz (1929) Luis Buñuel y Salvador Dalí

La course aux potirons (1908) Emile Cohl

La cigarrete (1919) Germaine Dulac

París que duerme (1925) René Clair

El clérigo y la caracola (1928) Germaine Dulac

The great Boldino (1967) William T. Wiley y Robert Nelson

The cage (1947) Sidney Peterson

La sangre de un poeta (1930) Jean Cocteau

8 x 8 (1957) Hans Richter

Dom (1958) Jan Lenica y Walerian Borowczyk

Faust (1994) Jan Svankmajer

Iré como un caballo loco (1973) Fernando Arrabal

Viva la muerte (1970) Fernando Arrabal

Yellow mellow (2002) Nicolas Provost

The floating house (2002) Paulette Phillips

Canciones del segundo piso (2000) Roy Andersson

The ghost trees (2003) Marnie Weber

Up in the sky (1997) Tracey Moffatt

Dwelling (2002) Hiraki Sawa

Caribbean pirates/pirates party (2001-5) Paul Mc Carthy

citas_

-El cine es un arma maravillosa y peligrosa en manos de un espíritu libre. Luis Buñuel

-Cuanto más se aproxima uno al misterio, más importante es ser realista. Jean Cocteau

-Todo lo que emana de la mente, aunque carezca de una forma lógica, revela de manera inevitable la singularidad de esa mente.  Jean Goudal

-Utilizo todo lo que sale de mi subconsciente porque lo considero la forma más pura. El resto de la mente consciente está influido por la realidad, el arte, la educación, la infancia propia... En cambio, las experiencias originales que existen en el interior de uno mismo son las menos corruptas de todas.  Jan Svankmajer

-Cuando creo una película quiero estar seguro de que será, de principio a fin, una sucesión de maravillas, porque no tiene sentido malgastar el tiempo en ver obras que no son sensacionales. Salvador Dalí

-Quería tratar la conciencia, la subconsciencia y la superconsciencia, una conciencia surrealista que nos permite comprender el universo. Para mí el cine es una exploración metafísica. Alejandro Jodorowsky

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POSTSURREALISMO Y ÉPICA


obras_
La bella y la bestia (1946) Jean Cocteau 
Orfeo (1950) Jean Cocteau 
Swain (1950) Gregory Markopoulos 
Twice a man (1963) Gregory Markopoulos
Eros,O basileus (1967) Gregory Markopoulos
The mysteries (1968) Gregory Markopoulos
Eniaios (1948-90) Gregory Markopoulos
The Illiac Passion (1967) Gregory Markopoulos 
Number 10 y number 11: Mirror animations (1957-62) Harry Smith
Inauguration of the pleasure dome (1954-66) Kenneth Anger 
Scorpio rising (1963) Kenneth Anger 
Lucifer rising (1970-81) Kenneth Anger
Satiricon (1969) Federico Fellini
Szerelmen, Elektra (1974) Miklos Jancso
La montaña sagrada (1973) Alejandro Jodorowsky
Edipo Rey (1967) Pier Paolo Pasolini
Teorema (1968) Pier Paolo Pasolini
El decamerón (1971) Pier Paolo Pasolini
Reborn (1979) Ian Hugo
Uliisses (1982) Werner Nekes
The attendant (1993) Isaac Julien
Werckmeister harmonies (2000) Bela Tarr 
The cremaster cycle (1995-2000) Matthew Barney 
La montaña sagrada (1973) Alejandro Jodorowsky


+films_
La bella y la bestia (1946) Jean Cocteau
Twice a man (1963) Gregory J. Markopoulos
The Illiac Passion (1967) Gregory J. Markopoulos
Psyche (1947) Gregory J. Markopoulos
Number 10 y 11: Mirror animations (1957-62) Harry Smith
Sunstone (1979) Ed Emshwiller
Relativity (1966) Ed Emswhiller
Inauguration of the Pleasure Dome (1954-66) Kenneth Anger
The long road to Mazatlan (1999) Isaac Julien
The Attendant (1993) Isaac Julien 
Cremaster 3 (2002) Matthew Barney
Geography of the body (1943) George Barker
Fragment of Seeking (1946) Curtis Harrington
La montaña sagrada (1973) Alejandro Jodorowsky 


citas_
-Mentir descaradamente es el único modo de convencer al público de la existencia de una realidad de un orden superior y más profundo.  Jean Cocteau
-Para aquellos a quienes interese [mi cine], mis películas de la 1 a la 5 las realicé fumado de marihuana, la 6 colocado de jaco, la 7 hasta las cejas de cocaína, de la 8 a la 12 después de haber consumido casi de todo, pero sobre todo padeciendo el mono, y la número 13 tras tomar unas píldoras verdes de Max Johnson y unas rosas de Tim Leary.  Harry Smith
-Hacer una película es lanzar un hechizo.  Kenneth Anger
-La metáfora es la figura retórica más sobresaliente.  Pier Paolo Pasolini

-Concibo las películas como una herramienta de investigación que deriva de la mitología.  Alejandro Jodorowsky 


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CINE ABSTRACTO Y LÍRICO

+films_
Rainbow dance (1936) Len Lye
Death of the gorilla (1965-6) Peter Mays
Light rhythms (1930) Francis Bruguière 
Radio dynamics (1942) Oskar Fischinger
Allegretto (1936-43) Oskar Fischinger
Filmstudie (1925) Hans Richter
Five film exercises (1943-4) Hnos. Whitney
Arabesque (1975) John Whitney
Lapis (1966) James Whitney
Energies (1957) James Davis
Come closer (1952) Hy Hirsh
Gyromorphosis (1956) Hy Hirsh
Video weavings (1974) Stephen Beck
Patterns of interference (2000) Ian Helliwell 
Winchester redux (2004) Jeremy Blake
C-Trend (1974) Woody Vasulka
Telc (1974) Woody Vasulka
Anticipation of the night (1958) Stan Brakhage
existence is song (1987) Stan Brakhage
Naughts (1994) Stan Brakhage
Stately mansions did decree (1999) Stan Brakhage
Castro street (1966) Bruce Baillie
American falls (2008-) Phil Solomon
The snowman (1995) Phil Solomon
Seasons (2002) Stan Brakhage y Phil Solomon
The man who fell to Earth (1976) Nicolas Roeg
Epilogue (2005) Jordan Belson 


citas_
-Para mí el vídeo no es tanto una herramienta para registrar la realidad externa como un modo de mostrar mundos interiores psicológicos y fisiológicos, como encontrar velocidades y colores simbólicos de los diferentes estados mentales o crear imágenes que recuerden a esas formaciones gráficas denominadas "imágenes consecutivas incidentales" que se ven al cerrar los ojos.  Pipilotti Rist 
-Imagine un ojo no gobernado por las leyes artificiales de la perspectiva, un ojo libre de los prejuicios de la lógica compositiva, un ojo que no responda al nombre de nada, pero que aun así deba conocer cada nuevo objeto que se encuentra en la vida a través de la aventura de la percepción.  Stan Brakhage
-Las imágenes cinematográficas son más alucinógenas que las fotografías estáticas o cualquier otra imagen. Cabe tener en cuenta también este tipo de placer relacionado con las drogas. Me gusta sentir el éxtasis del análisis. El éxtasis del análisis es un estado extraño y el análisis del éxtasis es una manera de consumir un buen momento.  Michael Snow 
-[Mi cine) no debe verse, sino experimentarse.  Jordan Belson 




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SINFONÍA URBANA, CINE DE ENSAYO Y CINE PAISAJISTA

+films_ 
Skyscraper symphony (1929) Robert Florey
Berlín, sinfonía de una ciudad (1927) Walter Ruttmann
Manhatta (1921) Paul Strand y Charles Sheeler
El hombre de la cámara (1929) Dziga Vertov
Metrópolis (1927) Fritz Lang
Skyscraper (1960) Shirley Clarke 
Shift (1972-4) Ernie Gehr
Serene velocity (1970) Ernie Gehr
Reverberation (1969, revisada en 1986) Ernie Gehr
This side of paradise (1991) Ernie Gehr
Efpsychi (1983-96) Robert Beavers 
Diminished frame (1970-2001) Robert Beavers 
Lluvia (1929) Joris Ivens
Vacancy (1998) Matthias Müller
El muelle (1962) Chris Marker 
London (1994) Patrick Keiller
Seen days (1974) Chris Welsby
Shoreline (1977) Chris Welsby
One way boogie woogi/27 years later (1977/2004) James Benning
All of my life (1966) Bruce Baillie 
2001 (2001) Wolfgang Staehle 
Colours of this time (1972) William Raban 
Water and power (1989) Pat O'Neill


citas_
-Se puede narrar una historia solo con imágenes, sin palabras, pura como la poesía.  Michelangelo Antonioni 
-Me parece imposible separar los aspectos soiales de los formales en una obra.   Mis películas suelen partir del "descubrimiento" de un lugar o una localización reales que me resultan absorbentes por razones inexplicables.  Mark Lewis
-El cine tradicional y vanguardista establecido enseña que el cine es una imagen, una representación. Pero el cine es algo real, y en tanto que algo real, no es ninguna imitación. No reflexiona sobre la vida, sino que encarna la vida de la mente.  Ernie Gehr 
-En mis películas filmo un lugar a lo largo del tiempo y, precisamente por ello, soy consciente de cómo esa prolongación ayuda a entender ese lugar. Cuando has observado algo durante un rato lo percibes de manera distinta. Podría mostrar una fotografía de un lugar, pero no es lo mismo que contemplarlo largamente.  James Benning 
-El proceso de representar el paisaje, tanto en una obra en una única pantalla como en una instalación, no debe concebirse como algo separado de la naturaleza, sino como parte de un modelo más simbiótico en el que la tecnología y la naturaleza se perciben como partes interrelacionadas de una Gestalt superior.  Chris Welsby 




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TEMPS MORT, CUADROS VIVOS Y DURACIÓN


+films_
La pasión de Juana de Arco (1928) Carl T. Dreyer
Meshes of the afternoon (1943) Maya Deren y Alexander Hammid 
La aventura (1960) Michelangelo Antonioni
Vertical features remake (1978) Peter Greenaway 
El contrato del dibujante (1982) Peter Greenaway 
Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) Chantal Akerman
Blue (1993) Derek Jarman 
Steve Buscemi (2006) Robert Wilson 
The greeting (1995) Bill Viola
Ein bild (1983) Harun Farocki
Zócalo (1999) Francis Alÿs y Rafael Ortega
Osmosis and excess (2005) Aernout Mik 
Refraction (2005) Aernout Mik
Algonquin Park, September (2001) Mark Lewis 
House with pool (2004) Teresa Hubbard y Alexander Birchler
Single wide (2002) Teresa Hubbard y Alexander Birchler
Eight (2001) Teresa Hubbard y Alexander Birchler
Mouchette (1967) Robert Bresson
Pickpocket (1959) Robert Bresson


citas_

-Siempre desconfío de todo lo que veo, de todo lo que me muestra una imagen. Porque imagino lo que hay detrás de esa imagen y es imposible saber lo que hay detrás de esa imagen.  Michelangelo Antonioni
-Oculte las ideas, pero de la manera que los demás puedan encontrarlas. Las ideas más importantes son las mejor escondidas.  Robert Bresson
-A través del cine, el tiempo es una isla.  Jerome Hill 
-No se crea sumando, sino restando. Desarrollar es otro asunto.  Robert Bresson
 
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CINE ESTRUCTURALISTA Y CONCEPTUAL

+films_
Wawelenght (1967) Michael Snow
The whirpool (1997) Jayne Parker  
Adebar (1957) Peter Kubelka 
Leda mit dem Schwan (Materialaktion Otto Mühl) (1964) Kurt Kren 
Mama und papa (Materialaktion Otto Mühl) (1964) Kurt Kren 
T,O,U,C,H,I,N,G, (1968) Paul Sharits 
Table (1976) Ernie Gehr
Zorn's lemma (1970) Hollis Frampton 
Maxwell's demon (1968) Hollis Frampton 
Institutional quality (1969) Owen Land
Oh dem watermelon (1965) Robert Nelson
Production stills (1970) Morgan Fisher
Screening room (1968/2007) Morgan Fisher 
The girl chewing gum (1976) John Smith
Room film (1973) Peter Gidal
Crystal aquarium (1995) Jayne Parker
Berlin horse (1970) Malcolm Le Grice
Light music (1975) Lis Rhodes
Schwechater (1958) Peter Kubelka


citas_
-La articulación del cine no se crea entre tomas, sino entre fotogramas. Ahí es donde el cine se expresa.  Peter Kubelka
-La ruptura más asombrosa que el cine estructuralista plantea con la generación previa radica en el repudio de la psicología en favor de la epistemología.  Hollis Frampton 
-La cámara es un instrumento que encierra posibilidades expresivas en sí misma.  Michael Snow 
-La dialéctica del cine se establece en el espacio de tensión que existe entre la cualidad plana del material, el grano, la luz, el movimiento y la supuesta realidad que se representa. Por consiguiente, (para que una película se haga realidad) es imprescindible intentar destruir contínuamente la ilusión.  Peter Gidal
-En un templo griego tenemos las columnas, todas igual de largas, igual de gruesas y equidistantes. Transmiten sensación de armonía. Lo mismo ocurre en la música y [también puede ocurrir] en el cine.  Peter Kubelka


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CINE EXPANDIDO Y CINE DE INSTALACIÓN

+films_
Under scan, relational architecture 11 (2005) Rafael Lozano-Hemmer
Shower (1964) Robert Whitman
1000 platitudes (2003) Rafael Lozano-Hemmer
Corpocinema (1967) Jeffrey Shaw
Movie-drome (hacia 1965) Stan VanDerBeek
Line describing a cone (1973-) Anthony McCall
Movie movie (1967) Jeffrey Shaw 
Single wing turquoise bird  (hacia 1969) 
The moment (2005) Doug Aitken
The stopping mind (1991) Bill Viola 
Disperion room (2004) Aernout Mik 
Erewhon (2004) Jane y Louise Wilson 
The swan tool (2000-2) Miranda July
Speedflesh (1997-8) Judith Barry
Pimple porno (1992) Pipilotti Rist
Der sandmann (1994-7) Stan Douglas 
Horror chase (2002) Jennifer y Kevin McCoy


citas_
-Al proyectar sobre un símbolo arquitectónico, este adquiere una dimensión humana. Por crítica que sea nuestra mirada, establecemos una relación psicológica con estas estructuras civiles. Invertimos en ellas nuestras esperanzas y deseos. Los edificios se conciben para surtir este efecto.  Krzystof Wodiczko 
-El cometido de la vanguardia no es romper con la tradición, sino reinventar la tradición, la tradición de la experiencia directa.  Bill Viola 
-El cine es algo que supera la realidad. Está en sintonía con las teorías sobre el espacio.  Gregory Markopoulos
-El problema del cine estriba básicamente en la articulación de la forma. Hans Richter


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CINE DE COLLAGE Y METRAJE ENCONTRADO

+films_
Viet-flakes (1965) Carolee Schneemann
Pierrot el loco (1965) Jean-Luc Godard
El desprecio (1963) Jean-Luc Godard
The end (1953) Christopher Maclaine
Scotch hop (1959) Christopher Maclaine
A la mode (1957) Stan VanDerBeek
Recreation (1956) Robert Breer 
The visual compendium (1991) Larry Jordan 
Rose Hobart (1936) Joseph Cornell  
Take the 5:10 to Dreamland (1977) Bruce Conner 
Valse triste (1977) Bruce Conner
Looking for mushrooms (1967-96) Bruce Conner
The fourth watch (2000) Janie Geiser 
The secret story (1996) Janie Geiser
Film noir (2005) Osbert Parker 
Recounting a dancing man (1998) Kevin Hanley 
Peggy and Fred in hell (1985) Leslie Thornton 
Short of breath (1990) Jay Rosenblatt 
Mayhem (1987) Abigail Child
Runs goog (1971) Pat O'Neill
Mother + Father (2005) Candice Breitz 
Nervous system performances (1990-) Ken Jacobs 
Video quartet (2002) Christian Marclay 
Star spangled in death (2004) Ken Jacobs


citas_
-Basta con juntar varias imágenes para evocar relaciones entre las cosas. [...] En gran parte, la construcción de casi cualquier comunicación pasa por la recreación por parte de la persona que la experimenta. Luego está el espacio entre las imágenes, que también es importante.  Bruce Conner
-Toda historia debe tener un principio, un desarrollo y un final..., pero no necesariamente en ese orden.  Jean-Luc Godard
-Mi papel como artista, según se definiría en nuestra sociedad, es crear diálogo entre yo mismo y otra persona. Se trata de una dualidad. Lo que me interesa es el proceso de cambio en esta relación. Quiero que otras personas me devuelvan una contraimagen de mí.  Bruce Conner
-En la vida real no existen las historias. Hay cabos sueltos, todo es confuso y nada empieza y acaba. En la experiencia total de nuestras vidas no hay un principio, un argumento y un final.  Ken Jacobs
-Las imágenes tienen pesos y valores diferentes. El significado se les asigna en el momento de recibirlas, en lugar de ser inherente a ellas o formar parte de su esencia.  Candice Breitz 


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AUTORRETRATOS Y AUTOBIOGRAFÍAS

+films_
Amantes y piruletas (1956) Engel y Orkin
Thrash (1970) Paul Morrissey y Andy Warhol 
Me and my brother (1969) Robert Frank 
O.K. end here (1963) Robert Frank 
Sodium fox (2005) Jeremy Blake  
Correction (2005) Fiona Tan 
Predictive engineering (1999) Julia Scher 
The 4 seasons of Veronica Read (2002) Kutlug Ataman 
31 (2002) Lorna Simpson   
Be me (2002) Max Dean y Kristan Horton
Devour (2003-4)  Carolee Schneermann
Ciao bella (2001) Tracey Rose
Window water baby moving (1959) Stan Brakhage
Huge pupils (1968) Andrew Noren
Falses pretenses (1974) Andrew Noren
As I was moving ahead ocassionally I saw brieg glimpses of beauty (2008) Jonas Mekas
10-16 (1997) Gillian Wearing 
Altair (1994) Lewis Klahr
Chelsea girls (1966) Andy Warhol 
Screen tests: Nico (1966) y Dennis Hopper (1966) Andy Warhol
Biker boy (1967) Andy Warhol 
Flesh (1968) Paul Morrissey
Lonesome cowboys (1968) Andy Warhol
My hustler (1965) Andy Warhol 




citas_
-El cuerpo es una máquina pictórica con una reserva infinita de imágenes, sensaciones y sonidos.  Pipilotti Rist
-Si se trata de una película personal, como suele ser mi caso, es importante que sea lo más sincera posible  [...] y eso exige valor y riesgo. En realidad, uno lo arriesga todo.  Robert Frank 
-No es necesario conocer dónde está el principio, el desarrollo o el final. [...] Si quisiera, podría crear una película sobre lo que estamos haciendo aquí y ahora. Tal vez sería una historia que se enmarcaría en la esfera emocional.  Gregory Markopoulos 
-Si respetas al público, evitas que se pierda. Haces todo cuanto está en tu mano por plantearles el problema de llegar hasta donde tú has llegado. El artista procura por todos los medios abrir una senda hacia un nuevo lugar.  Ken Jacobs 
-El poeta no tiene una "personalidad" que expresar, sino un medio concreto en el que la experiencia y la impresión se combinan de modos particularmente imprevistos.  Maya Deren


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DADAÍSMO, PARODIA, CAMP Y REMAKES

+films_
Day is done (2006) Mike Kelley 
The love of Zero (1927) Robert Florey y Slavko Vorkapich 
The life and death of 9413, a Hollywood extra (1928) Robert Florey y Slavko Vorkapich  
Remake (1995) Pierre Huyghe 
A movie will be shown without the picture (1979) Louise Lawler 
Peeping Tom (2000) Mark Lewis
Love film (2004) Isabell Heimerdinger
Film (1965) Alan Schneider y Samuel Beckett 
Pull my daisy (1959) Robert Frank y Alfred Leslie 
The flower thief (1960) Ron Rice 
The crazy-quilt (1966) John Korty 
Hallelujah the hills (1963) Adolfas Mekas
Oiley peloso the pumph man (1964-5) Robert Nelson 
Flaming creatures (1963) Jack Smith 
The golden positions (1971) James Broughton 
Shoot the moon (1962) Rudy Burckhardt y Red Grooms 
The secret of Wendel Samson (1966) Mike Kuchar 
Sins of the fleshapoids (1965) Mike Kuchar 
Sewing circle (1992) Richard Kern
Fingered (1986) Richard Kern
Pink flamingos (1972) John Waters 
Lütte mit rucola (2005) John Bock 
Gummo (1997) Harmony Korine
Killing friends (2002) Julian Hoeber
The gore trilogy (2006) Francesco Vezzoli 
A family finds entertainment (2004) Ryan Trecartin 
On the marriage broker joke as cited by Sigmund Freud in Wit and its relation to the unconscious, or Can the avant-garde artist be wholed? (1977-9) Owen Land


citas_
-Todo lo que se explica por sí solo o se justifica a sí mismo es vulgar.  Jean Cocteau 

-Si uno reflexiona sobre cómo observa el mundo, sobre cómo combina los recuerdos, sobre las voces que resuenan en su cabeza y los movimientos oculares, entonces cae en la cuenta de cuán falso es el montaje utilizado en el cine de Hollywood, pues nos conduce por la senda de la narrativa, pero erradica la experiencia humana.  Tony Oursler 
-Es en su forma más pura donde el arte pega fuerte.  Robert Bresson 
-El arte no es algo que deba superponerse a la vida cotidiana. Si es bueno, tiene que proceder de la vida cotidiana.  Jack Smith 
-La imago mundi de Antonioni es estrictamente europea y, por muy interesante  y bella que sea, no satisface en los Estados Unidos. Además, no es beatnik. No es lo bastante mestiza-salvaje-zafia-ingenua-cruel-pornográfica-licenciosa-insana-atrevida-y-monstruosa para América.  Taylor Mead 

-Sinceramente, no creo que exista ninguna diferencia entre el documental y la ficción. Pongamos por ejemplo una película con Marilyn Monroe. Si la vemos viente años más tarde, se ha convertido en un documental sobre Marilyn Monroe y, por supuesto, en un documental sobre una época. Y lo mismo ocurre con el material con que se realizó la película.  Chantal Akerman 

-Nos gusta tanto una historia que le insuflamos vida [una imagen o una figura], al margen de cuánto pueda degradarla.  Tony Oursler 
-[Pensemos en] el cine como expresión artística, o, más concretamente, como instrumento de poesía, con todo lo que esta palabra pueda contener de sentido libertador, de subversión de la realidad, de umbral al mundo del subconsciente, de inconformidad con la estrecha sociedad que nos rodea.  Luis Buñuel 
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CRONOLOGÍA

+films_
Sombras (1959) John Cassavetes
La sangre de un poeta (1930) Jean Cocteau
Me and my brother (1969) Robert Frank
The cool world (1963) Shirley Clark 


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1919 El gabinete del Dr. Caligari, Robert Wiene
1920 La fête espagnole, Germaine Dulac
1924 Entr'acte, René Clair y Francis Picabia
1928 Un perro andaluz, Luis Buñuel y Salvador Dalí 
1929 Alles dreht sich, alles bewegt sich, Hans Richter
1930 La sangre de un poeta, Jean Cocteau
1930 La edad de oro, Luis Buñuel y Dalí
1933 Kreise, Oskar Fischinger
1935 A color box, Len Lye 
1936 Rose Hobart, Joseph Cornell 
1941 Ciudadano Kane, Orson Welles
1943 Meshes of the afternoon, Maya Deren y Alexander Hammid 
1950 Rashomon, Akira Kurosawa
1954-6 Inauguration of the pleasure dome, Kenneth Anger
1956-6 Mirror animations, Harry Smith 
1957 Lettre de Sibérie, Chris Marker
1958 Anticipation of the night, Stan Brakhage
1959 Pull my daisy, Alfred Leslie y Robert Frank
1959 Sombras, John Cassavetes  
1959 Hiroshima mon amour, Alain Resnais
1960 Al final de la escapada, Jean-Luc Godard 
1960 La aventura, Michelangelo Antonioni
1963 Sleep, Andy Warhol 
1963 Flaming creatures, Harry Smith 
1967 Wawelength, Michael Snow
1969 British sounds, Jean-Luc Godard
1969 Tom, Tom, the piper's son, Ken Jacobs 
1970 Zorns lemma, Hollis Frampton
1970 El topo, Alejandro Jodorowsky
1971 Los misterios del organismo, Dusan Makavejev
1974 Two sides to every story, Michael Snow
1977 Jubilee, Derek Jarman
1977 Eraserhead, David Lynch
1979 Hipótesis del cuadro robado, Raoul Ruiz 
1983 Videodrome, David Cronenberg
1989 Water and power, Pat O'Neill
1991 Días salvajes, Wong Kar-Wai
1993 24 hour psycho, Douglas Gordon
1995 The greeting, Bill Viola
1995 If 6 was 9, Elija-Liisa Ahtila 
1998 L'ellipse, Pierre Huyghe 
1999 Cómo ser John Malkovich, Spike Jonze
2000 Memento, Christopher Nolan
2001 Fernsehturm, Tacita Dean 
2002 Empire, Paul Sietsema 
2004 Olvídate de mí, Michel Gondry 

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FILMOGRAFÍA 
2001-5 Caribbean pirates: houseboat party, Paul McCarthy
2001-5 Caribbean pirates: pirate party, Paul McCarthy
2005 Epilogue, Jordan Belson
2002 The decay of fiction, Pat O'Neill 
1973 La montaña sagrada, Alejandro Jodorowsky
1967 Mouchette, Robert Bresson 
1977-9 On the marriage broker joke as cited by Sigmund Freud in Wit and its relation to the unconscious, or can the avant-garde artist be wholed?, Owen Land 
1995 Der sandman, Stan Douglas
1958 Schwechater, Peter Kubelka 
1962-4 Screen tests, Andy Warhol 
2002 Video quartet, Christian Marclay
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(He echado en falta obras singulares y maravillosas de Val del Omar, y de Zulueta)
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algo más
En el libro colectivo (demasiado quizá), "El desafío del cinéfilo", hay un apartado con grandes películas que no utilizaron la cámara, y entre éstas caben en el cine artístico... 
-A movie (1958) Bruce Conner
-Arnulf rainer (1958) Peter Kubelka
-Begone dull care (1949) Norman Mc Laren
-Film in which there appear edge lettering sprocket holes, dirt particules, etc (1966) Owen Land
-Colour box (1935) Len Lye
-Mothlight (1963) Stan Brakhage